27 mayo 2015

Ernesto Palacio nuevo director del Festival Rossini de Pesaro

(Archivo)
Considerado el festival más importante de Italia, el Rossini Opera Festival ROF cada año se dedica a poner en escena las óperas de este gran compositor. Palacio estará al frente de este Festival desde 2016 y nos cuenta en exclusiva.
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
Uno de nuestros tenores más internacionales, Ernesto Palacio, acaba de ser designado como director del prestigioso Festival Rossini de Pesaro ROF, en Italia. Este festival está dedicado íntegramente a las óperas del compositor Gioacchino Rossini, natal de esa ciudad, y cada año reúne a los más grandes intérpretes del bel canto, así como a prestigiosos directores de orquesta y escena.
Considerando que la carrera de Palacio estuvo dedicada en gran parte al repertorio rossiniano, este nombramiento es un gran honor. Palacio tuvo una gran carrera internacional durante tres décadas, en la que se presentó en los más importantes teatros del mundo. Se retiró del canto en 1998, cuando inició una carrera como agente, en la que manejaba las agendas de Juan Diego Flórez, Ildar Abdrazakov, Daniela Barcellona, Elina Garanca, Michele Mariotti y decenas mas. 
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Ante este nombramiento, Palacio nos cuenta en exclusiva: "El Festival Rossini de Pesaro tiene 35 años y en este tiempo han habido dos directores artísticos. El primero fue Alberto Zedda, que en cierto momento también fue nombrado director artístico de La Scala y dejó el cargo, siendo nombrado Luigi Ferrari. Él fue el que propició el debut de Juan Diego (Flórez) en el 96. Unos años después Ferrari pasa a Bologna y Zedda regresa hasta ahora. Su contrato termina en diciembre de este año. Yo entro a partir del 1ro de enero del 2016. El contrato es siempre por 3 años. Siempre es renovable y todo dependerá de sobreintendente y de mí también. Digamos que he decidido hacer este cambio porque es una responsabilidad y un honor que me halaga".
¿Cómo se inicia tu relación con el Festival?
Yo voy a Pesaro cada año desde 1996 por Juan Diego, y como agente, brindando a los cantantes de primer nivel que he estado manejando. Por algún tiempo algunos decían que el Festival ya no se llamaba el ROF (Rossini Opera Festival) sino el POF (Palacio Opera Festival). Pero claro, si uno tiene a los mejores artistas en este campo, era normal que fuera así. Por otro lado, con Alberto Zedda yo he cantado muchísimo y lo conozco desde 1972, de modo que hay una larga relación y me han consultado muchas cosas. En los últimos 5 o 6 años era vox populi que iba a ser el próximo director, pero siempre fui el último en creerlo.
 Entonces, ¿cuál es el rumbo que seguirás con el Festival?
Pesaro tiene dos caminos en los que quiero insistir. Descubres gente joven importante, desconocidos pero que funcionan, y muy bien; o vas con  estrellas, nombres reconocidos y muy buenos. Generalmente son tres óperas de cuatro funciones cada una, mas conciertos. Yo puedo manejar esos números de acuerdo al presupuesto y ver qué viene mejor. El 2016 ya está hecho por Zedda, así como mi contrato termina en 2018 pero tengo que dejar el 2019 ya hecho. Y si se me renueva seguirìa programando hasta el 2022 y asi hasta que termine definitivamente. El 2017 será mi primera edición. Mi decisión es a partir de junio mudarme a Pesaro y seguir todos los ensayos y aprender bien el oficio, pues hay muchos detalles que es necesario saber. En julio se inician los ensayos de la Academia y el Festival, y ya me quedo ahí. Digamos que lo que espero es realizar grandes producciones, con registas importantes e impactantes para lograr el interés de otros teatros para coproducirlas o llevarlas a otros lugares.
Palacio ha sido mánager de artistas durante casi 20 años y estos han nutrido las temporadas del Festival. Sin embargo, este nuevo cargo traerá un gran cambio, ya que dejará de ser agente para dedicarse por completo al trabajo del Festival de Pesaro. Las dos cosas no podrían hacerse, pues habría conflicto de intereses. "Yo podría seguir haciendo ambas cosas y nadie podría acusarme de nada, no va contra la ley. Sin embargo,  hago esto como un tema de imagen correcta hacia el Festival y hacia mí también".
Hablando del Festival Granda de Lima. ¿Qué has pensado para este en los próximos años? No solo de los títulos anunciados, sino que cada año que pasa se aprenden experiencias nuevas y se varían las expectativas.
Haremos el "Werther" con Juan Diego Flórez y Anna Goryachova como Charlotte. Dirige Jacques Lacombe, quien va a dirigir también a Juan Diego en Paris cuando la haga con Joyce DiDonato en Champs-Elysées. La producción es de Alejandro Chacón, que van a hacer en Colombia en julio, con escenarios de Nicolás Boni y trajes de Adán Martínez. Serán tres funciones y ojala se pueda hacer un segundo título.
Es difícil hacer ópera, cuando aún queda gente con prejuicios de que se hace mal, por experiencias del pasado.
La ópera en el Perú ha mejorado y encuentro que hay muchas iniciativas. El hecho de que el Ministerio produzca también lo considero positivo.

24 mayo 2015

XIII Festival Internacional de Música Antigua

(Difusión) Del 30 de mayo al 4 de junio se realizará el XIII Festival Internacional de Música Antigua, gracias al patrocinio de la Pontificia Universidad Católica del Perú y del Patronato Peruano de la Música. La organización está a cargo del Conjunto de Música Antigua de la PUCP, que cumple 20 años promocionando la música que se cultivó en Europa y América entre los siglos XV y XVIII.

Los conciertos congregarán a músicos de México, España y Perú en un festival en el que destacarán los jóvenes valores nacionales dedicados a la música antigua.

El concierto inaugural ha sido programado para el sábado 30 a las 7:30 p.m. en el Auditorio de la Biblioteca Nacional y se denomina“Majestuosidad y devoción en la Puebla de los Ángeles: Barroco policoral en la música de Vísperas”  con la participación de la Orquesta del Festival, el Coro Nacional y el Coro Nacional de Niños del Perú bajo la dirección del maestro Aurelio Tello.

El concierto del domingo 31 a  las 7:30 p.m. reunirá a dos agrupaciones en el Auditorio de la Biblioteca Nacional: el Conjunto de Música Antigua de la PUCP, con un programa dedicado a la música española y colonial, y el Ensemble Ars Hispaniae (España) quienes dedicarán el programa al compositor español José de Torres y Martínez Bravo, uno de los compositores más importantes del barroco español. Sus obras demuestran que alcanzó un completo dominio del nuevo estilo italiano, siendo el principal responsable de la modernización de la música española a principios del S. XVII.

El FIMA se traslada el lunes 1 de junio la Galería del ICPNA de Miraflores (Av. Angamos 160, Miraflores) donde se presentará  a las 7:30 p.m. nuevamente el concierto dirigido por el maestro Tello ya que se trata de un programa único, y que será tocado por primera vez con obras policorales de Miguel Matheo de Dallo y Lana, maestro de capilla de la Catedral de Puebla y uno de los últimos exponentes del renacimiento español en México.
Para el martes 2 se ha programado un  Concierto de los talleres y solistas  juveniles de música antigua en la Galería del ICPNA de Miraflores. Uno de los objetivos del festival es difundir la interpretación de la música que se practicaba entre los siglos XVI y XVIII  entre la niñez y juventud, por lo que en esta ocasión se ha convocado a agrupaciones musicales de instituciones educativas que mostrarán el repertorio que han desarrollado en sus respectivos talleres.  Participarán los talleres juveniles de música antigua de los colegios Newton y Trener, de la academia Arte para Crecer, del Sistema Orquestando del Ministerio de Educación y  jóvenes solistas del Conservatorio Nacional de Música.

El concierto de clausura será el miércoles 3 en la Galería del ICPNA y estará a cargo del Coro de  Madrigalista de la PUCP  dirigido porAntonio Paz  y el Conjunto de Música Antigua  Conservatorio Nacional de Música  dirigido por Sergio Portilla. El programa está conformado con obras de Monteverdi, Albinoni, Telemann y Bach entre otros.

Como en años anteriores, el jueves 4 de junio a las 12:30 p.m., en el auditorio de Derecho del Campus de la PUCP, se realizará  el concierto didáctico a cargo de Arion Consort, con el programa “Los affetti y pasiones del barroco”, con el que finaliza la programación del Festival.

Además de los conciertos, se ha programado el Curso de Paleografíaque se desarrollará en coorganización con el Conservatorio Nacional de Música del miércoles 27 al domingo 31 de junio, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. El CNM será la sede de este curso dictado por el maestro Aurelio Tello, destacado musicólogo peruano radicado en México.

Asimismo  el día martes 2 de junio a las  5:30 p.m. se desarrollará en la Escuela de Música de la PUCP la conferencia “Rompiendo paradigmas: la investigación de la música colonial en América Latina” a cargo del maestro Aurelio Tello.
 
PROGRAMACIÓN
Miércoles 27 al domingo 31 de mayo                  
Curso de Paleografía a cargo de Aurelio Tello
Conservatorio Nacional de Música
 
Sábado 30 de mayo              
Concierto Inaugural
“Majestuosidad y devoción en la Puebla de los Ángeles”Barroco policoral en la música de Vísperas
Orquesta del Festival, Coro Nacional, Coro Nacional de
Niños del Perú.  Aurelio Tello, director
Biblioteca Nacional, 7:30 p.m.
 
Domingo 31 de mayo                       
Conjunto de Música Antigua de la PUCP
Ensemble Ars Hispaniae (España)
Biblioteca Nacional, 7:30 p.m.
 
Lunes 1 de junio                    
“Majestuosidad y devoción en la Puebla de los Ángeles”: Barroco policoral en la música de Vísperas
Orquesta del Festival, Coro Nacional, Coro Nacional de
Niños del Perú.  Aurelio Tello, director
Galería ICPNA Miraflores 7:30 p.m.
 
Martes 2 de junio                          
Conferencia: “Rompiendo paradigmas: la investigación de la música colonial en América Latina”.
Aurelio Tello. 
Escuela de Música de la PUCP         

Talleres y solistas juveniles de música antigua       
Galería ICPNA, Miraflores, 7:30 p.m.
 
Miércoles 3                            
Coro de Madrigalistas de la PUCP
Conjunto de Música Antigua del Conservatorio Nacional de Música
Galería ICPNA, Miraflores, 7:30 p.m.
 
Jueves 4                                       
“Los affetti y pasiones del barroco“
Conjunto Arion Consort
Auditorio de Derecho del Campus de la PUCP, 12:30 p.m.
  
Sedes:

Biblioteca Nacional del Perú
 Av. De La Poesía 160, San Borja
 
Galería ICPNA Miraflores
Av. Angamos Oeste 120, Miraflores
 
Conservatorio Nacional de Música
Jr. Carabaya 421, Lima 1
 
Escuela de Música de la PUCP
Malecón Grau 477, Chorrillos
 
Auditorio de Derecho Campus de la PUCP
Av. Universitaria cdra. 18, San Miguel

23 mayo 2015

Nueva temporada de "Tardes de Ópera"

El programa "Tardes de Ópera" de Radio Filarmonía 102.7 fm inicia una nueva temporada con mis comentarios. Escucharemos una variada selección de grabaciones memorables de las mas variadas óperas, pues la idea no es estancarnos en el repertorio de siempre, sino ampliar el espectro cultural del público, que lo pide. Se dará énfasis al repertorio importante menos conocido, y a partir de julio también incluiremos grabaciones de óperas contemporáneas. Para eso usaré grabaciones de mi propia biblioteca y eventualmente de los archivos de la radio.
A continuación detallo la programación de cada semana hasta julio. Los horarios  de inicio varían de acuerdo a la semana, transmitiéndose generalmente los sábados al mediodía. también se puede escuchar por internet en www.filarmonia.org.
Sábado 23 mayo, 12:00 h.
Gioacchino Rossini: Otello (2h 50m)Dirige Jesús Lopez-Cobos. Con José Carreras, Frederica Von Stade y Samuel Ramey.

Sábado 30 de mayo, 14:00 h.
Carl Maria Von Weber: Der Freischütz (2h 40m) Dirige Sir Colin Davis. Con Francisco Araiza, Karita Mattila y Eva Lind.
 
Sábado 6 de junio, 14:00 h.
Giacomo Puccini: La fanciulla del West (2h, 40m) Dirige Zubin Mehta. Con Carol Neblett, Plácido Domingo, Sherrill Milnes.
 
Sábado 13 de junio, 12:00 h.
Richard Wagner: 150 aniversario del estreno de  Tristan und isolde (4h): Dirige Karl Böhm. Con Birgit Nilsson, Wolfgang Windgassen y Marti Talvela.
 
Sábado 20 de junio, 14:00 h.
Johann Strauss Jr.: Die Fledermaus. Dirige Carlos Kleiber. COn René Kollo, Lucia Popp y Julia Varady. (2h, 20m)
 
Sábado 27 de junio, 12:00 h.
Benjamin Britten: Peter Grimes (2h, 50m) Dirige Sir Colin Davis, Con Jon Vickers y Heather Harper.
 
Sábado 4 de julio, 12:00 h.
Giuseppe Verdi: Aroldo (2h, 30m) Dirige Fabio Luisi. Con Neil Shicoff y Carol Vaness.
 
Sábado 11 julio, 12:00 h.
Giovanni Paisiello: Nina (2h, 30m) Dirige Riccardo Muti. Con Anna Caterina Antonacci, Juan Diego Flórez y Michele Pertusi.
 
Sábado 18 julio, 12:00 h.
Jules Massenet: Don Quichotte (2h 30m) Dirige Valery Gergiev. Con Ferruccio Furlanetto y Anna Kiknadze.
 
Sábado 25 julio, 12:00 h.
Wolfgang Amadeus Mozart: La clemenza di Tito (2h 40m) Dirige Karl Böhm.Con Julia Varady, Teresa Berganza y Peter Schreier.

19 mayo 2015

Lima Triumphante presenta "Beethoven x 3"

Difusión
(Difusión) La asociación Lima Triumphante ofrecerá este jueves 4 de junio a las 8:00 pm en el auditorio Santa Úrsula (Santo Toribio 180, San Isidro), su segundo concierto de temporada 2015, denominado Beethoven x 3, espectáculo en el que se presentarán tres obras maestras de este genio alemán: La obertura Egmont, Op. 84; el Triple Concierto en Do mayor para piano, violín, violonchelo y Orquesta, Op. 56; y la Fantasía para Piano, Coro y Orquesta, Op 80.
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En este concierto, bajo la dirección del maestro José Quezada Macchiavello, se presentarán tres obras de madurez de Beethoven y contará con la participación de tres importantes solistas: Antonio Formaro (Argentina), uno de los mejores pianistas argentinos y director de la especialidad de piano de la facultad de música de la Pontificia Universidad Católica Argentina de Buenos Aires. Hugo Arias, violinista peruano con estudios en Alemania e interesante carrera internacional como solista, siendo Concertino de orquestas en Perú, Chile y Colombia. José Quezada Márquez, violonchelista de experiencia internacional, quien ha ejecutado el Triple Concierto junto al prestigioso pianista ruso Alexander Paley y el violinista chileno Fredy Varela. 
BEETHOVEN X 3
PROGRAMA
Obertura Egmont, Op. 84
Triple Concierto en Do mayor para piano, violín, violonchelo y Orquesta, Op. 56
Fantasía para Piano, Coro y Orquesta, Op 80.

De esta forma,  LIMA TRIUMPHANTE, asociación cultural sin fines de lucro con más de 15 años dedicados a la promoción del patrimonio musical del Perú Barroco y al cultivo de la música clásica, tendrá la segunda fecha de los 12 conciertos de la Temporada Noches clásicas de Lima a realizarse entre abril y diciembre en diversos escenarios del centro histórico y otros espacios de la ciudad. 
Es importante destacar que lo recaudado en los 12 conciertos será destinado al programa Música para transformar vidas, que hace posible que jóvenes y niños del Centro Histórico de Lima con talento musical y que no cuentan con los recursos suficientes, puedan acceder a estudios musicales dentro de la asociación, además de brindarles clase de matemáticas, comprensión de lectura y formación ciudadana. Este programa es subvencionado íntegramente con los conciertos que la asociación produce, la cooperación de algunas personas naturales y el generoso apoyo de sus docentes, directivos y el voluntariado.
Entradas a la venta disponibles en Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda.

15 mayo 2015

Król Roger de Szymanowski en vivo gratis desde Royal Opera

© ROH. Bill Cooper, 2015
(Ópera Perú) Este sábado desde la 1:30 pm (hora de Lima) y 6:30 pm hora de Londres veremos el primer streaming gratuito en vivo de The Opera Platform desde la Royal Opera House de Londres.
Veremos la ópera Król Roger de Karol Szymanowski, con Mariusz Kwiecien, Saimir Pirgu, Giorgia Harman y Kim Begley, en una producción de Kasper Holten, dirigida por Antonio Pappano.
La transmisión también podrá verse a través del canal de Youtube de la Royal Opera.
El enlace para ver en vivo a través de The Opera Platform es: http://www.theoperaplatform.eu/…/ope…/szymanowski-krol-roger
© ROH. 2015
El rey Roger (título original en polaco, Król Roger) es una ópera en tres actos con música de Karol Szymanowski y libreto en polaco de Jarosław Iwaszkiewicz. Se estrenó el 19 de junio de 1926 en el Teatro Wielki de Varsovia. (Wikipedia).
Sinopsis: Un misterioso pastor, que resultará ser intermediario de un dios desconocido que pregona el amor y el placer, llega al reino del rey cristiano Roger y va ganando adeptos. Los súbditos y sobre todo la cúpula eclesiástica lo rechazan; sin embargo, Roxana, la esposa de Roger, de forma instintiva, cree en el mensaje del seductor pastor e intercederá por él. Tras haber intentado hacerlo prisionero, el rey, desoyendo las voces de los que exigen su muerte, fascinado por la personalidad del pastor y el desafío que representa, lo sigue hasta su reino, allí el joven se presenta como Dionisos, el dios del placer. La ópera termina con un final enigmático: el amanecer, la llegada del sol, lo apolíneo, ¿la paz espiritual?. (tomado de El blog de maac).
La ópera nació del entusiasmo de Szymanowski por la cultura mediterránea como punto de encuentro de diferentes pueblos y religiones. En 1911 y 1914 el compositor dedicó bastante tiempo a viajar por la zona y compartió ese interés por la región con su primo y luego libretista, Iwaszkiewicz. Efebos, la novela perdida de Szymanowski, también trataba sobre esos temas místicos que inspiraron la ópera.
Se dice que son evidentes las influencias musicales de Alexander ScriabinRichard Strauss y Maurice Ravel. Destaca su orquestación y armonía y la extatica Canción de Roxana y el aria del rey Edrisi! Slonce!
Aunque la música es considerada como de una alta calidad, la ópera no se solía representar a menudo y ha ido conquistando de a poco el repertorio internacional como una de las obras maestras de la ópera del siglo XX.
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14 mayo 2015

Nabucco se estrena este viernes en el GTN

(Ópera Perú) La ópera Nabucco de Verdi se verá de manera integral por primera vez en nuestro país a partir de este viernes en el Gran Teatro Nacional. Con esto celebran los 50 años del Coro Nacional en la quinta temporada de ópera del Ministerio de Cultura.
Para esta gran producción, se han traído tres solistas internacionales que darán que hablar, por la belleza y poder de la voz. Asimismo, estarán acompañados de los principales cantantes nacionales, que junto al Coro Nacional, entonarán famosas melodías como el famoso Va, pensiero. La dirección musical de la Orquesta Sinfónica Nacional está a cargo del italiano Marco Boemi, y la regia es de Víctor García Sierra. La dirección general es de Javier Súnico.
Serán 5 funciones, del 15 al 23 de mayo y las entradas están muy cómodas y se pueden comprar en Teleticket de Wong y Metro, así como en boletería del teatro.
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Veamos estas escenas de los ensayos
Veamos también algunos diseños proporcionados por el director escénico, Víctor García Sierra, sobre esta producción. La escenografía contará con proyecciones que harán de esta una espectacular puesta. (Diseños son de Víctor García Sierra).








13 mayo 2015

Sarah Chang por primera vez en Lima

© SarahChang.com
(TQ) Una de las más grandes y famosas violinistas del mundo, Sarah Chang, ofrecerá un primera presentación en nuestro país el 25 de Junio en el Gran Teatro Nacional, gracias a TQ Producciones.
El talento de Sarah Chang es sobrehumano y su musicalidad y técnica están a la par. Tal como señalara alguna vez una reseña que le dedicase el New York Times, “Sus dones se encuentran a un nivel tan alejado del resto que lo único que podemos hacer es contemplarla en total asombro”.
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© SarahChang.com
Desde su debut con la Filarmónica de Nueva York a los 8 años de edad, Sarah se ha presentado con las más importantes orquestas y más prestigiosos directores del mundo en una carrera que abarca más de dos décadas y que se encuentra repleta de reconocimientos, como el haber sido galardonada con el Premio de la Academia Chigiana Musicale Internazionale en Italia, el Premio “Avery Fisher”, el premio "Artista Joven del Año" de Gramophone, el premio "Echo" Schallplattenpreis de Alemania, y alzarse como la artista "Revelación del Año" en los Premios Internacionales de Música Clásica en Londres y Corea.
Además en 2004 se convirtió en la persona más joven en recibir del Salón de la Fama el premio “Hollywood Bowl”, en 2005 la Universidad de Yale le dedica una silla en Sprague Hall, en 2008 es nombrada “Joven Líder Global” por el Foro Económico Mundial (FEM) por sus logros profesionales y compromiso con la sociedad y desde el 2011 es Embajadora Artística de la Embajada de los Estados Unidos a nivel mundial.
© SarahChang.com
Durante el pasado 2014 y en el presente año ha estado en giras que la han llevado por Reino Unido y los EE.UU. con la Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, Orquesta Sinfónica Nacional (Washington), Royal Philharmonic Orchestra, la Orquesta Sinfónica Pittsburgh y la Orquesta Sinfónica de Detroit.
Junto a su violín Guarneri del Gesù de 1717, ha realizado grabaciones para EMI Classics que incluyen el concierto para violín de Brahms y el concierto para violín de Bruch con Kurt Masur y la Orquesta Filarmónica de Dresdner. Su grabación de las Cuatro Estaciones de Vivaldi en el 2007 atrajo elogios internacionales. También ha grabado el concierto No. 1 de Prokofiev y el concierto No.1 de Shostakovich en vivo con la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la batuta de Sir Simon Rattle y el concierto de Dvorak con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la batuta de Sir Colin Davis, entre muchos otros.
En nuestro país podremos verla y escucharla este jueves 25 de junio en el Gran Teatro Nacional a las 8.30pm, donde exhibirá todo su arte acompañada por la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, dirigida por Pablo Sabat. Las entradas para el concierto pueden encontrarse a la venta en TU ENTRADA de Plaza Vea y Vivanda.

SARAH CHANG y la Orquesta Sinfonica Nacional Juvenil
Pablo Sabat, director.
Jueves 25 de Junio, 8:30 pm. Gran Teatro Nacional
PROGRAMA
MAURICE RAVEL
Le Tombeau de Couperin
SERGEI PROKOFIEV
Sinfonía No. 1 en re mayor, Op. 25, “Clásica”
MAX BRUCH
Concierto para violín y orquesta No. 1 en sol menor, Op. 26
MAURICE RAVEL
Tzigane, Rapsodia de concierto para violín y orquesta, M. 76

11 mayo 2015

Impecable OSNJ con Chopin y Mozart

© Gran Teatro Nacional
Gran Teatro Nacional, domingo 10 de mayo. Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil. Director: Pablo Sabat. Piano: Marian Sobula (Polonia). Programa: Chopin: Concierto para piano y orquesta, Op. 11. Mozart: Sinfonía no. 41 "Júpiter".
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
En su último concierto, la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, dirigida por Pablo Sabat, presentó un concierto especial con dos obras populares del repertorio, que son el Concierto para piano y orquesta no. 1 en mi menor, Op. 11 de Frédéric Chopin y la Sinfonía no. 41 en do mayor, K 551 "Júpiter" de Wolfgang Amadeus Mozart.
A pesar de que el polaco Chopin es una referencia en la música para piano y escribió decenas de obras para este instrumento, solo escribió dos conciertos para piano y orquesta. Este primer concierto lo compuso a los 20 años y estrenado en pleno auge del romanticismo. Es una pieza que contiene las melodías y virtuosidades típicas del autor, y predicen en cierto estilo al de Franz Liszt mas adelante, por la virtuosidad de ciertos pasajes, y la forma como la orquesta acompaña al solista. Sino, comparen este concierto en forma con el primero de Liszt.
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© Gran Teatro Nacional
El solista fue el polaco Marian Sobula, joven solista de nivel que dio una versión lograda, con técnica sobria pero enérgica. El primer movimiento Allegro maestoso fue iniciado por la orquesta con bellos acordes e interesantes volúmenes bajo la conducción de Sabat, con sonido elegante pero contundente. Sobula inicia su primer tema con sobriedad y bella lectura. La orquesta acompaña con delicadeza en el que escuchamos un buen pasaje del corno. Este movimiento es complejo, ya que muestra varios temas y mucha virtuosidad, en lecturas que parecen interminables. Por momentos es evidente que la cantidad de violines es escaso, y junto a los metales se siente el desbalance. Durante el Romance - Larghetto Sobula pronuncia pasajes sollozantes y líricos, junto a un romántico acompañamiento de la orquesta. Acaricia las teclas con delicadeza pero también con gracia. Las cuerdas suenan uniformes y hacia el final se desvanecen en un perfecto diminuendo, muy bien controlado por Sabat. En el Rondo - Vivace Sobula demuestra todo su virtuosismo, aunque su postura tan sobria frente al piano no lo refleje. La orquesta nuevamente se muestra precisa y contundente, con fiel estilo.
La última sinfonía escrita por Mozart, llamada Júpiter (bautizada así por Johann Peter Salomon por la grandeza que refleja), es una obra compleja, escrita en el momento mas difícil pero a la vez mas inspirado de Mozart. Se dice que fue estrenada cuando Mozart tenía 32 años y solo tres antes de mori, aunque lo mas probable es que nunca la haya escuchado. Esta obra por la forma como está estructurada, con repetición de temas y estilo moderno, seguramente influenció a Beethoven para componer sus sinfonías de juventud.
Gran mérito y aplauso para la OSNJ, su director y equipo de maestros por el cuidado como presentaron esta gran obra. Desde el inicio, en el Allegro vivace, los primeros compases se ejecutan rápida y energicamente, pero las cuerdas mantienen su delicadeza y procuran estar dentro del estilo. Destacó la precisión como el conjunto fue llevado por Sabat y como lograron un bello efecto camerístico. Destaca la ejecución de la  flauta y oboe, así como todos los matices logrados por los violines, y la energía de cellos y contrabajos. Solo este movimiento tiene muchísimas formas de interpretación y es muy rico en si. El Andante cantabile fue presentado con una lectura mucho mas dramática, que recuerda a la energía que despliega la marcha fúnebre de la Eroica de Beethoven. Las cuerdas nuevamente producen un buen color y los cornos son muy precisos y soportan el ritmo. Los diversos acentos estuvieron mejor logrados. El Menuetto (Allegretto) es mas uniforme y aquí la orquesta logra nuevamente ese efecto camerístico que nos gusta de Mozart. Finalmente, en el Molto allegro las cuerdas se siente seguras e inspiradas y se nota su energía y concentración. Los vientos están magistrales y todo el conjunto cierra con una brillante conclusión.
A pesar de ser Día de la Madre, este concierto atrajo cierta cantidad de público que aplaudió con entusiasmo al solista y a la orquesta.
No entiendo que pasa con el Ministerio de Cultura, que da dos pasos adelante con la OSN pero diez para atrás con la OSNJ. ¿Dónde quedaron esos marcadores de libros que explicaban el protocolo del aplauso? pero aún mas importante, ¿POR QUÉ NO HABÍAN PROGRAMAS DE MANO? La creación de públicos en estos conciertos en que van familias con niños es vital. Sin programas de mano ni ese protocolo del aplauso que resultó tan efectivo e interesante en las últimas semanas, se hubiera evitado que interrumpieran a Sobula en cada movimiento del Chopin. Creo que es tiempo que dejen de menospreciar a un elenco que, a diferencia de la OSN que todavía da resultados irregulares, se mantiene mejorando de forma pareja con el tiempo y brindando un repertorio cada vez mas exigente. La OSNJ da pocos conciertos al año, y ya van casi por la mitad, así que no vale estar ocioseando esfuerzos. Apoyemos al elenco.

Salzburg Chamber Soloists este 16 de mayo

Dfusión SFL
(Difusión SFL) Continuando con su Temporada de Abono 2015, la centenaria Sociedad Filarmónica de Lima presenta este sábado 16 de mayo en el Auditorio Santa Úrsula a la agrupación Salzburg Chamber Soloists, que llegará acompañada del pianista Andreas Klein como solista. 
El programa que ofrecerá es el siguiente: Adagio y fuga para cuerdas en do menor, KV. 546 de W.A. Mozart, Concierto para piano N° 4 de L. van Beethoven; Preludio de la ópera Tristán e Isolda, de R. Wagner en un arreglo para cuerdas por S. Gürtler; y Noche transfigurada Op. 4, de A. Schöenberg.
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Salzburg Chamber Soloists

En 1991, el violinista Lavard Skou-Larsen y un grupo de músicos colegas decidieron formar un ensamble inusual, cuyo objetivo era interpretar música de cámara orquestal con la libertad que caracteriza a los solistas. Su inspiración fue el inolvidable Sandor Végh, cuyo carisma ha sido una considerablemente influencia para muchos miembros del grupo.
Ya en su primer año de existencia, la orquesta realizó su primera gira por los Estados Unidos y Canadá, y gracias a su éxito surgieron invitaciones para numerosos conciertos con celebridades como Boris Belkin, Mischa Maisky, Michel Dalberto, Rodolfo Bonucci, Jean-Bernard Pommier, Giora Feidman y Alexander Lonquich. Otro gran suceso fue la participación de la orquesta en La Folle Journée Mozart en Nantes (Francia), en 1995.

Desde entonces, se han presentado en el Concertgebouw; la Philharmonie de Berlín; el Théatre des Champs-Elysées, París; la Tonhalle de Zurich; el Teatro Municipal de Río de Janeiro; Teatro Colón, y otras importantes salas de concierto.
Los Salzburg Chamber Soloists suelen presentarse regularmente en numerosos festivales, entre ellos el de la Academia Chigiana de Siena; el Turku Musikfestival de Finlandia; el Festival Mozart en Würzburg; el Schubertiade de Roskilde; el MIDEM de Cannes; y el Salzburger Kulturtage.
En Enero de 2002 el grupo realizó una gira por Alemania junto a la actriz Senta Berger, interpretando Las 8 estaciones de Antonio Vivaldi y Astor Piazzolla. Un especial suceso en el año 2003 consistió en una gira por Alemania junto a Giora Feidman, interpretando klezmer judío junto a tango argentino.
En el 2006, celebrando el aniversario de los 250 años del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, la orquesta realizó 17 conciertos en Salzburgo en el prestigioso Grosser Saal des Mozarteums.
Desde el 2008 la orquesta toca regularmente en el concierto de apertura de la Academia Internacional de Verano del Mozarteum/Salzburgo, en calidad de orquesta residente.
En el 2013 debutaron en Nueva York en el Metropolitan Theater. Para la temporada 2014/15 actuarán como ensamble de música de cámara oficial en el ciclo de conciertos "Resonancia" de Le Havre, Francia.

Andreas Klein, piano
El pianista de origen alemán Andreas Klein se ha distinguido como un artista dinámico y convincente, gracias a su dominio de una amplia gama de colores tonales e imaginativas interpretaciones. El New York Times se ha referido a Klein como "Un artista fascinante… hace que los silencios suenen como música".
La carrera de Andreas Klein como solista lo ha llevado a los lugares más prestigiosos del mundo, desde el Wigmore Hall de Londres, la Filarmónica de Berlín, el Carnegie Hall de Nueva York y el Alice Tully Hall, al Kennedy Center de Washington DC. Se ha ganado elogios de la crítica por sus actuaciones en ciudades como Berlín, Roma, Milán, Berna, Leipzig, Dresde, Nueva York, Los Ángeles, Chicago, Washington DC y la Ciudad de México.
Su repertorio incluye todos los conciertos de Mozart y Beethoven. Asimismo, ha colaborado con algunos de los mejores conjuntos de la actualidad. Durante el año del Aniversario de Mozart, realizó el Concierto de Mozart KV 415 con la orquesta de cámara Salzburg Chamber Soloists a lo largo de todo Estados Unidos. El Washington Post escribió "el articulado y fluido pianismo del inteligente solista Andreas Klein conjugó bellamente con el sonido de la orquesta en esta obra cristalina" en respuesta a su actuación en el Kennedy Center junto a la orquesta de cámara Festival Strings Lucerne.
En el 2009, se unió nuevamente a la agrupación Salzburg Chamber Soloists en una conmovedora interpretación de la versión para cuerdas del Concierto para Piano Nº 4 de Beethoven. Klein interpretó el mismo concierto junto al Kammerakademie Neuss, en Düsseldorf y recientemente se unió al Cuarteto Casals interpretando el Quinteto para piano de Schumann en las principales ciudades de Estados Unidos.
Las grabaciones de sus discos han recibido grandes elogios de la crítica, de directores y presentadores por igual. El Deutschland Sender y la radio DS Kultur registraron y conservaron sus interpretaciones de obras de Busoni, Ginastera, y Stravinski para sus archivos.
Andreas Klein se graduó en la Escuela Juilliard y complementó sus estudios con el legendario Claudio Arrau y Nikita Magaloff. Copias de su disertación sobre los Estudios de Chopin se encuentran en las bibliotecas de la Sociedad Chopiniana de Viena y Leipzig, y descargables en la Biblioteca de la Universidad de Rice.
  Programa
W.A. MOZART (1756 – 1791)
Adagio y fuga para cuerdas en do menor, KV. 546
 L.VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)
Concierto para piano N° 4  (arreglo para cuerdas por S. Gürtler)
RICHARD WAGNER (1813 – 1883)
Introducción de Tristán und Isolde 
A. SCHÖNBERG (1874 - 1951)
Noche transfigurada Op. 4
Notas al Programa
Wolfgang Amadeus Mozart  (1756 – 1791)
Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Fue el hijo menor de Ana María Pertl y de Leopold Mozart, un músico que prestaba servicios en la corte del Príncipe-arzobispo de Salzburgo. Desde muy niño, Wolfgang mostró su condición de genio musical pues era capaz de interpretar obras leídas a primera vista, de improvisar y de componer. Consciente de que su hijo era un niño prodigio, Leopold lo llevó de gira por diversas ciudades europeas en las que Wolfgang impresionó a los aristócratas por su habilidad para tocar el clavecín y otros instrumentos. Sus presentaciones públicas empezaron con un concierto en la Universidad de Salzburgo realizado en setiembre de 1761, es decir, cuando tenía cinco años de edad. En enero de 1762, pocas semanas antes de cumplir los seis años, Wolfgang se presentó con su hermana Nannerl en Múnich ante el príncipe elector de Baviera. Unos meses después (setiembre de 1762), toda la familia emprendió un viaje más largo que la llevó a Passau, Linz, Viena y Bratislava. En Viena los hermanos Mozart tocaron para la emperatriz María Teresa y alcanzaron un éxito notable en diversos salones aristocráticos. Los viajes continuaron en los años siguientes pues Leopold supo sacar el máximo provecho de las presentaciones de sus hijos. Múnich, Augsburgo, Mannheim, Maguncia, Frankfurt, Coblenza, Aquisgrán fueron ciudades visitadas por los Mozart, cuyos pobladores tuvieron el privilegio de escuchar a los precoces y talentosos músicos que se dirigían a París. El éxito en Francia fue notable: pasaron dos semanas en Versalles, donde tocaron para Luis XV en varias oportunidades. En París, el niño Wolfgang publicó cuatro sonatas para clave. Se trataba del caso insólito de un compositor que a tan temprana edad (siete años, dice el texto de la publicación de las sonatas) viera impresas obras suyas (eran las obras K. 6,7, 8 y 9).
Los éxitos continuaron en Londres con conciertos ante el rey Jorge III y la reina Sophie Charlotte, conocedores y amantes de la música, y con difíciles pruebas musicales a las que se sometió Wolfgang, quien las venció con solvencia inexplicable en un niño. Por aquellos tiempos, el joven músico inició la creación de sinfonías y obras vocales. Después de haber pasado quince meses en Londres, los Mozart fueron a los Países Bajos, donde también permanecieron varios meses. Volvieron a París y luego emprendieron el lento regreso a Salzburgo, ciudad a la que llegaron a fines de noviembre de 1766, tras haber estado en Dijon, Lyon, Ginebra, Lausana, Berna, Zúrich, Augsburgo y Múnich. El viaje había tomado más de tres años, durante los cuales el niño Wolfgang había ampliado sus horizontes vitales y musicales. Si bien su padre fue su único maestro, el contacto con artistas de otros lugares resultó muy provechoso para el niño, quien empezó a forjarse una voz propia en el terreno de la composición. En la estancia en Londres había conocido a Johann Christian Bach, de quien recibió una fuerte impresión e influencia. Los tres viajes que posteriormente realizó a Italia dejaron en él nuevas enseñanzas. Muy útiles le fueron los contactos con Sammartini y, en especial, el Padre Martini, con el cual trabajó el contrapunto. El interés del joven Mozart por la ópera se acrecentó por esa época y obras suyas de ese género se estrenaron con éxito en Milán en 1771 (Ascanio en Alba) y en 1772 (Lucio Silla).
En 1773, de vuelta a Salzburgo, empezó Wolfgang Mozart a trabajar en la corte del nuevo Príncipe-arzobispo, Hieronymus von Colloredo, con el cual nunca mantuvo relaciones muy armoniosas. Nuevos viajes lo llevaron a Múnich, Viena, Augsburgo y Mannheim, ciudades en las que se sentía libre de su tiránico empleador de Salzburgo. En 1778 se dirigió a París cargado de esperanza en compañía de su madre. Sin embargo, esta murió sorpresivamente, lo que sumió a Wolfgang en una crisis seria ahondada por la indiferencia de quienes de niño lo habían tratado con tanta benevolencia. Vuelto a Salzburgo en 1789, obtuvo el puesto de organista de la corte de su antiguo amo. Pronto las tensiones se agudizaron tanto, que el joven músico decidió trasladarse a Viena (1781).
En 1782, sin el consentimiento de su padre, quien había desempeñado por años un papel importante en el rumbo de la vida de Wolfgang, este se casó en Viena con Constanze Weber. Dos años después, encontró en el movimiento francmasónico la acogida de la que no había disfrutado durante los años de profundo aislamiento en el que se encontraba como artista, según ha hecho notar Alfred Einstein en su famoso libro sobre Mozart.[1]
En los años siguientes, a pesar de la creación de grandes obras maestras, algunas de las cuales lograron impresionante acogida, como las óperas Las Bodas de Fígaro y Don Giovanni, en sus estrenos en 1786 y 1787 en la generosa ciudad de Praga, la vida de Mozart se volvió difícil. Una economía precaria y una salud cada vez más deteriorada lo hicieron padecer intensamente hasta el momento de su muerte, la que se produjo en Viena en la noche del 4 al 5 de diciembre de 1791, cuando este genio contaba con solo 35 años.
Aunque su vida fue breve, la obra de Mozart es amplísima y abarca una gran variedad de géneros: óperas, música sacra, sinfonías, conciertos para instrumento solista y acompañamiento de orquesta, abundante música de cámara, obras corales, canciones, etc.
El Adagio y fuga para cuerdas en do menor (K.546) data de junio de 1788. Previamente, a fines de 1783, Mozart había compuesto una versión de esa fuga para ser interpretada en dos pianos, la cual figura con el número 426 en el catálogo Köchel. El autor la transcribió para cuarteto de cuerdas y le añadió un adagio a modo de preludio que anticipa y destaca el carácter trágico de toda la obra.
Desde niño, Mozart se había educado en el contrapunto y lo había usado con habilidad en diversas composiciones; sin embargo, fue su amistad con el Barón van Swieten la que le permitió conocer las grandes obras de J.S. Bach y G. F. Haendel. El referido noble poseía una rica biblioteca donde se conservaban manuscritos de esos importantes compositores, y a la cual Mozart tuvo acceso cuando contaba con 26 años de edad. El estudio de las obras de esos dos grandes compositores barrocos alemanes enriqueció notablemente al joven músico de Salzburgo.
El Adagio, en ritmo de 3/4, se despliega a lo largo de 52 compases en los que las notas en staccato, el ritmo y las alternancias entre matices piano y forte crean una cierta tensión y generan un clima de expectativa. Riqueza cromática y osadas modulaciones otorgan a esta intensa pieza un carácter muy especial. Después de un calderón, y sin solución de continuidad, se presenta la extraordinaria fuga a cuatro voces, la que, salvo detalles mínimos repite a la compuesta para dos pianos en 1783. Esta pieza de gran complejidad abarca 119 compases en ritmo de 4/4 y tempo Allegro. Su estilo es severo y el tema a partir del cual está construida encierra elementos cromáticos abundantes. En esta fuga, según Adélaïde de Place, Mozart emplea “con un arte particularmente acabado los procedimientos de la disminución y de la inversión”.[2] Ella se refiere a los recursos que usa el compositor para presentar en ciertos pasajes el tema (sujeto) a partir del cual elabora la extraordinaria arquitectura de esta fuga. Cabe destacar que la interpretación de esta obra por un conjunto orquestal más grande que un cuarteto de cuerdas permite apreciar en ella una peculiar y bella riqueza sonora.
La fuga se inicia con la presentación del tema en los instrumentos más graves (violonchelos y contrabajos), luego toman el tema, sucesivamente, grupos de instrumentos con registro menos grave (violas), instrumentos más agudos (violines segundos y finalmente primeros violines). Después de una compleja construcción, hacia el final la pieza se vuelve especialmente intensa y culmina con potentes acordes en dinámica fortissimo.
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Ludwig van Beethoven nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Desde niño manifestó una notable disposición para la música. Debido a ello, el padre, tenor de la corte obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, por lo cual lo obligó a estudiar sin consideración. En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano y en 1781 lo llevó en una gira de conciertos por Holanda, la que fue un fracaso. Beethoven recibió lecciones de Pfeiffer, van der  Eeden, Rovantino, Koch y Zeese. Neefe lo hizo estudiar elClave bien temperado de J.S. Bach, y las sonatas de Karl Philipp Emmanuel Bach y de Muzio Clementi.
En el invierno de 1786 estuvo en Viena, donde conoció a Mozart, quien le dio algunas clases y comentó: «Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo». La enfermedad de su madre lo hizo volver a Bonn, donde ella murió en 1787. Obligado a hacerse cargo de sus hermanos, se vio en la necesidad de pedir el retiro de su padre y que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese despilfarrada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron considerables. Sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, y llegó a sentir un afecto especial por la gentil Eleonora, a quien dio clases de música a cambio de conocimientos de literatura. Ella se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y Beethoven mantuvo con ellos una estrecha amistad durante toda su vida. Asimismo, halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones políticas; este personaje, después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn y lo ayudó eficazmente para que pudiera radicarse en Viena recomendándolo para que se abriese camino.
En 1792 Beethoven dejó Bonn, ciudad que nunca olvidaría. Llegó a Viena en noviembre con gran número de obras, la primera de ellas escrita a los diez años, y las publicó más tarde, después de haberlas revisado o refundido en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schneck, Salieri, Schuppanzigh, Albrechtsberger y Aloys Föster. Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de marzo de 1795; pero su presentación ante el gran público con sonado éxito se concretó el 2 de abril de 1800. La gloria parecía sonreírle; sin embargo, ya había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A todos los sufrimientos que había soportado, se añadía ahora la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión. No obstante, su carrera como prolífico compositor comenzó a afianzarse y ya en esa época los rasgos de su carácter estaban bien definidos. Su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar las cuerdas de sus semejantes.
Beethoven compuso cinco conciertos para piano y orquesta, los cuales corresponden a los números de opus 15, 19,37, 58 y 73. El cuarto de ellos, el opus 58, en sol mayor, fue escrito entre 1805 y 1806 e interpretado por primera vez públicamente el 22 de diciembre de 1808 en Viena en una función cuyo programa incluía la Quinta y la Sexta Sinfonías del mismo compositor.
El Concierto N° 4 consta de tres movimientos. El primero de ellos, Allegro moderato en compás de 4/4 y tonalidad de sol mayor, se inicia originalmente con una intervención del instrumento solista en dinámica piano y con carácter dolce que se extiende por cinco compases. Después de esta breve intervención, pasa el tema a la orquesta, la que lo amplifica notablemente y luego lo lleva gradualmente a dinámicas forte y  fortissimo. La orquesta presenta después un hermoso segundo tema. Varias ideas secundarias van apareciendo. El piano se encargará de aprovecharlas transformándolas constantemente en su primera intervención larga, la cual está cargada de riqueza musical. Según M. Mila, “… el piano, que tras de los compases iniciales, puestos al principio, casi como un epígrafe, había callado ante la orquesta, comienza su desarrollo, en una de las más prodigiosas manifestaciones de fantasía musical, toda ella poéticamente conmovida, que se conocen. La entonación general sigue siendo la de una beatitud suave, como embriagada de sí misma, unas veces vibrando en un canto desplegado, ora rebosante de figuras de júbilo vivísimo, otras veces dirigiéndose con rápidos pasajes de carácter rapsódico y otras hallando encantadas sonoridades, que ya encierran en germen los elementos poéticos del virtuosismo pianístico de Liszt”.[3]
El segundo movimiento, Andante con moto, está compuesto en la tonalidad de mi menor y en compás de 2/4. En esta pieza tan intensa, contrastan las intervenciones alternadas de la orquesta y del solista. Empieza la orquesta en dinámica forte interpretando acordes en staccato que encierran un carácter imperioso. En el quinto compás calla la orquesta; en el sexto, el piano solo en dinámica pianissimo, con entonación molto cantabile y toque ligado, canta una melodía tierna de aire suplicante. El contraste es total: a la fuerza de la orquesta se opone la dulzura del piano. Después de una decena de alternancias entre el poder orquestal y la súplica del piano, este se suelta en la entonación de una hermosa línea melódica no interrumpida por la orquesta. Tres trinos sucesivos sobre fasostenido, la y do interpretados con incremento de la intensidad inician una intensa cadenza que finalmente regresa a la dinámica pianissimo. La orquesta vuelve a sonar, pero ahora muy breve y tenuemente. En los últimos dos compases se escuchan en la orquesta tres acordes de la tonalidad de mi menor, al último de los cuales se superpone un arpegio del piano suplicante.
Sin solución de continuidad, sigue el tercer movimiento, un Rondó, en tempo vivace, compás de 2/4 y tonalidad de sol mayor. Esta pieza vivaz introduce una atmósfera que contrasta con el dramatismo del movimiento precedente. Su arquitectura sigue el modelo de construcción A-B-A-B-A-B. Cabe destacar que el empleo de arpegios quebrados, de abundantes pasajes en semicorcheas, de trinos dobles y trinos triples otorgan un carácter muy brillante al movimiento final de este concierto, el cual concluye con una vibrante coda rica en matices dinámicos: en los últimos 19 compases se transita de pasajes de arpegios en tresillos interpretados en dinámicapianissimo hacia el fortissimo final, en el que se afirma con júbilo la tonalidad de sol mayor.
Richard Wagner (1813 – 1883)
Richard Wagner nació el 22 de mayo de 1813, en Leipzig. Su padre, Karl Friedrich Wilhelm Wagner, murió seis meses después del nacimiento del futuro gran músico. En 1814 su madre, Johanna Pätz, se trasladó a Dresde y se casó con el pintor retratista Ludwig Geyer, quien falleció en 1821.
El inquieto joven Richard realizó estudios en la Kreuzschule de Dresde desde 1822. Por aquella época entró en contacto con las obras de los antiguos hombres de letras griegos. En 1824 inició estudios de piano, pero su campo de interés ya era la ópera: entonces se mostraba entusiasta admirador de la obra de Weber. Cuando su familia dejó la ciudad de Dresde (1826), él permaneció en esa ciudad, descuidó los estudios y se concentró en la creación de una tragedia (Leubald), obra que completó en 1828 en Leipzig, ciudad a la que había ido para reunirse con su familia. A partir de entonces, atraído por la música de Beethoven, intenta la composición musical. En los años siguientes realiza estudios de violín, teoría, armonía y contrapunto, y completa diversas obras cortas. En 1832 compone su Sinfonía en do mayor, dos oberturas y otros trabajos musicales, y empieza a escribir libretos para óperas pues pensaba que solo podría componer música para sus propios libretos.
Luego vinieron estancias en Wurzburg (1833) y en Magdeburgo (1834), donde asumió el cargo de director de orquesta y conoció a Minna Planer, con quien inició una relación sentimental que lo llevó al matrimonio el 24 de noviembre de 1836. Las dificultades económicas obligaron a la pareja a tomar la decisión de abandonar Magdeburgo y a trasladarse a Königsberg y luego a Riga. En 1838, Wagner empezó la creación de Rienzi, una gran ópera, pensando en presentarla en una importante plaza como París. Después de pasar por Londres, el 20 de agosto de 1839, él y Minna llegaron a Francia. En París, Wagner conoció a un grupo importante de artistas entre los que se encontraban Hector Berlioz y Franz Liszt. Este último acogió al compositor alemán e influyó positivamente en la vida y la obra de Wagner.
Un nuevo viaje, en 1842, llevó a Richard y Minna de regreso a Alemania. El 20 de octubre se estrenó en Dresde, con rotundo éxito, la ópera Rienzi: había nacido un gran músico para el público. Los años siguientes fueron muy productivos, pero la participación de Wagner, en 1849, en movimientos políticos revolucionarios al lado de M. Bakunin, lo llevó al destierro. Weimar, donde se encontraba su amigo Franz Liszt, París y Zúrich, fueron los lugares donde encontró refugio. Su prestigio como compositor por aquellos tiempos fue creciendo y los éxitos se sucedieron en diferentes teatros de Europa.
Sin embargo, no faltaron en la vida de Wagner los momentos de dificultad económica y las situaciones conflictivas en el aspecto sentimental: la separación de Minna, su peculiar amistad con la esposa de Otto Wesendonk, y el romance con Cosima Liszt, joven hija de Franz y esposa del director de orquesta Hans von Bülow, discípulo de Liszt.
El rey Luis II de Baviera, entusiasmado con la obra de Wagner, lo apoyó económicamente y secundó los proyectos del compositor, lo que generó al soberano dificultades políticas dentro de su reino.
En 1882 estrenó su ópera Parsifal cuando su salud estaba muy deteriorada. El 13 de febrero de 1883 falleció en Venecia por una enfermedad del corazón que arrastraba desde tiempo atrás.
Wagner fue autor de una notable cantidad de óperas importantes por su calidad y por la influencia que ejercieron en el curso posterior de ese género; pero también creó obras orquestales, música coral, canciones, piezas para piano y algunas otras para diferentes instrumentos. Asimismo, realizó arreglos, revisiones, o transcripciones de creaciones de Beethoven, Donizetti, Gluck, Halévy, Mozart, Palestrina y Rossini. Además, destacó como director de orquesta y como escritor, pues publicó decenas de ensayos y textos de variados géneros, algunos de ellos de carácter polémico.
Los intereses artísticos de Wagner eran tan amplios, que incluso intervino en la concepción del Teatro de Bayreuth, lugar ideado especialmente para la representación de sus óperas que fue construido con diversos aportes, entre ellos los muy generosos del excéntrico rey Luis II de Baviera.
La ópera Tristán e Isolda, una de las obras maestras del género, inspirada en una leyenda celta, se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, en el Teatro de la Corte. Esta obra, que había sido compuesta entre 1857 y 1859, ejerció gran influencia en los compositores de las generaciones siguientes ya que percibieron en ella el inicio de un lenguaje musical que abandonaba la armonía tradicional. El Preludio de esta ópera, pleno de un lenguaje basado en el empleo de armonías tensas, cromatismos insistentes, un tejido polifónico y variadas modulaciones, es muy complejo y original. Desde el punto de vista de la forma musical, está construido con gran libertad. Durante el desenvolvimiento de la pieza se pueden apreciar continuos contrastes de temas, tonalidades, matices, dinámicas y ritmos que sugieren o expresan los más variados sentimientos que puede vivir el ser humano en la experiencia del amor, desde el apasionamiento desbordado hasta la serenidad. Sebastian Gürtler  es autor de tres arreglos del Preludio de Tristán e Isolda, uno de ellos para orquesta de cuerdas.
ARNOLD SCHÖNBERG (1874 - 1951)
A. Schönberg nació en Viena el 13 de setiembre de 1874 en el seno de una familia de origen judío. Fue uno de los pioneros de la composición atonal y creador de la revolucionaria técnica del dodecafonismo, predecesora del serialismo. Desde niño interpretaba el violín. Curiosamente este importante creador, que ejerció gran influencia en la música del siglo XX, fue en la práctica un compositor autodidacta. La única enseñanza formal que recibió fue la de Alexander von Zemlinsky, quien le dio algunas clases de contrapunto. Alcanzó una técnica impecable gracias al estudio de los grandes maestros, desde Bach hasta Mahler, quien se convertiría en su protector y admirador. Su primera obra maestra fue el sexteto para cuerdas titulado Noche transfigurada (1899), en el que unió las tendencias programáticas de Brahms y Wagner. La cantata Gurrelieder (1900-11) y el poema sinfónicoPelleas y Melisande (1903) se enmarcaron en un estilo propio del romanticismo tardío. En su Primer cuarteto para cuerdas (1905) mostró una intensidad expresiva más controlada. Una crisis personal y la tendencia hacia un mayor cromatismo lo llevaron a abandonar la tonalidad en algunas partes de su Segundo cuarteto para cuerdas (1908) y en Das Buch der hängenden Gärten (1909). Durante este período expresivo nació la Segunda Escuela de Viena, un grupo de compositores encabezado por Schönberg, entre los cuales se encontraban Alban Berg y Anton Webern. A ellos se los conocía como la Trinidad Vienesa. Al ver que los músicos empleaban una armonía en la que la disonancia no encontraba lugar, Schönberg creó el dodecafonismo, sistema de doce notas, a las que ordenó en una escala cromática especial. Estas tienen el mismo valor y no están sometidas a un centro tonal.
Si bien en 1926 obtuvo el puesto de profesor en la Academia de Artes de Prusia, Berlín, en 1933 se vio obligado a emigrar a los Estados Unidos por el nazismo. Se dedicó a la enseñanza, a la aplicación y perfección de su técnica, y continuó su vasta producción musical, que comprende desde óperas, música orquestal, vocal, de solista y de cámara, hasta música religiosa. Falleció en Los Ángeles en 1951.
La primera obra maestra y una de las más apasionadas de Schönberg fue concebida en tan solo tres semanas.Noche transfigurada Op.4 (1899) es un sexteto de cuerdas que constituye un poema sinfónico inspirado en el poema Mujer y mundo de Richard Dehmel. El mismo autor trabajó en 1917 una versión para orquesta de cuerdas que revisó en 1943. La obra comprende cinco secciones encadenadas que aluden a la relación de un hombre enamorado y una mujer que le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. La música no pretende narrar los hechos, sino comentar la situación emotiva de los personajes.
La primera parte (muy lento) presenta en la tonalidad de re menor un paseo nocturno bajo la luz de la luna. La segunda (más animado) presenta un tema de marcado sabor dramático que corresponde a la confesión de la espera del hijo de otro hombre. Surge, entonces, un largo pasaje en el cual la mayor intensidad recae en el diálogo entre las cuerdas agudas y las graves. La tercera sección retoma brevemente el tema de introducción: es la espera de la reacción del hombre. Esta parte culmina simbólicamente en la alejada tonalidad de mi bemol menor. Luego de su primera reacción, en la cuarta sección, el hombre afirma que el amor que siente por su amada es tan grande, que está dispuesto a hacer de aquel niño su hijo. La obra se afirma en un luminoso remayor y las cuerdas susurran con sordina el segundo tema principal de la obra. En esta parte, en la que triunfa el amor, vuelve el primer tema, pero “transfigurado” por su tratamiento en modo mayor. La quinta sección corresponde a una extensa coda que cierra este himno a la naturaleza y el amor.
(Textos de Carlos Gatti Murriel, Profesor del Departamento de Humanidades de la Universidad del Pacífico y del Departamento de Humanidades de la Pontificia Universidad Católica del Perú).